Semana Latinoamericana del Arte Independiente (Organicemosla en Barcelona)

2006-12-01T07:12:00.000-08:00

PARA IR A LA WEB DE LA SELAI BCN PINCHA AQUI :

http://www.selaibcn.co.nr/

SE ABRE LA CONVOCATORIA A LA SELAI 2006

2006-10-12T23:49:00.000-07:00

Contacto : selaibcn@gmail.com

PROGRAMA SELAI EN BARCELONA

2005-12-05T08:02:00.000-08:00

MIÉRCOLES 14/"LO QUE VIAJA CONTIGO"/ ITINERARIO CALLE

18:00 Tras la catedral (Bili Sanchez)
18:30 Plza. del Rey (Raul Naranjo)
19:00 Plza. Ramon B. (Txalo Tolosa)
19:30 Recorrido entre ambas Plzas. (Colectivo [ooooooo] )
20:00 Plza. St. Jaume(M. R.)
20:30 SELAI/Acción colectiva

JUEVES 15 /"SELAI: EL PROCESO"/NINGÚN LUGAR (Riereta 11)

17:00 "Malditos",Pablo Insunza, Docu. Chile
18:00 "Plantemos semillas"-Acción/Proyecciones
19 :30 Presentación Selai y conversa con Alberto Caballero ( http://www.geifc.org)
20:30 Acción de Sub Attak (www.semilla.tk)

VIERNES 16/"ALLÁ DESDE ACÁ"/SALA DE ESTAR (Martinez de la Rosa 40)

17:00 "Viaje a la Semilla"/"Ma pacha Utjiana", Alex Moya. Docu. Chile
18:30 "20 días de noviembre después de una revuelta" ,Tronco del Senegal. Docu. Bolivia
19 :30 La trocha imaginaria
O.F.P. "Organización femenina popular" (Beatriz Puerto)
Ruta Pacifica (www.ruta pacifica.org)
"1280 Albas" (www.1280.com)
20:30 "El baile rojo" ,Yesid Castañeda. Docu. Colombia

SÁBADO 17/"LA SEMILLA"/SALA DE ESTAR (Martinez de la Rosa 40)

17:00 Pantalla Abierta.Trae tu propuesta ¡¡¡ (Proyectamos tu trabajo)
18:00 "Si nos dejan". Docu. Ana Torres (argentina)
19:00 Conversa con Ana Torres, Alex Moya (documentalista chileno),Mauricio Riquelm y Antoni Fernandez del O.P.S.H.D (http://www.ub.es/ospdh/)
20:00 Arte y Politica : Tres experiencias : OVNI / Ctrl-i / Indymedia Barcelona
21:30 Conversación con el Colectivo "Codigo Libre"

DOMINGO 18/"APERTURAS"/SALA DE ESTAR (Martinez de la Rosa 40)

17:00 Videos y conversa con Marcelo Exposito.
19:00 Proyecciones SELAI /Conclusiones

"LO QUE VIAJA CONTIGO"

2005-12-03T07:50:00.000-08:00

ITINERARIO DE ACCIONES EN EL ESPACIO PÚBLICO /

MIÉRCOLES 14 DE DICIEMBRE/COMENZANDO DE ESPALDAS A LA CATEDRAL

DESDE LAS 18 HRS./METRO SANT JAUME

CONVOCAMOS.

2005-11-13T09:16:00.000-08:00

SELAI. EN BARCELONA (Arte/política/sociedad)

S.E.L.A.I se desplegará la segunda semana de diciembre, del 12 al 18.
Todas las convocatorias están abiertas a artistas y trabajadores culturales en general que tengan una producción afín con las líneas de la semana o que estén interesados en las temáticas planteadas.

Te invitamos a participar de estas jornadas de encuentro.

Temario general :

¿Arte y política, en tiempos de poscolonialismo?

Prácticas efímeras, aquí y ahora.

Intervención en procesos electorales, relación de los países de América latina con Estados Unidos y Europa.

Arte y Estado en los distintos espacios de Latinoamérica.

Intervención en las leyes culturales.

Lucidez del momento histórico.

La okupación como alternativa de independencia cultural.

Historia de migraciones como intercambio cultural.

La producción de crítica desde la autogestión.

Contacto : selaibcn@gmail.com

Invitación a la acción

2005-11-02T04:03:00.000-08:00

La "Semana latinoamericana del arte independiente" nuclea a artistas, trabajadores de la cultura y a todo aquel interesado en estrechar lazos de solidaridad y unidad entre nuestros pueblos con una mirada crítica, alternativa, independiente y autogestiva, respetando la diversidad de sus componentes.

“Organicemos La Semana Latinoamericana del Arte Independiente”

Una propuesta de anonimato y representación.
(y de contacto)

Como representar Latinoamérica en una semana?
Como representar una independencia?
Como representarnos desde/hacia/con este lugar?

La Semana Latinoamericana del Arte Independiente (S.E.L.A.I.), funciona como una plataforma que en la actualidad cuenta con 170 miembros de distintos países de América, interesados en estrechar relaciones entre si, e imaginar desde la cultura, respuestas alternativas a los ordenes impuestos.

S.E.L.A.I., es como proyecto internacionalista, muy joven, con lo cual al día de hoy permanece en construcción. Esta característica, sumada a su organización de anónimos trabajadores en red, le otorgan un carácter de desarrollo horizontal, a la manera del software libre o el arte correo, una identidad diversa y una biología política de movimiento real, en relación a las necesidades de los implicados y comprometidos en ella.

S.E.L.A.I. en Barcelona
Destacando estos rasgos del sistema, surge la idea de vivenciar la semana en Barcelona. Y a la hora de proyectar el aterrizaje de la S.E.L.A.I., nos encontramos con una serie de conflictos propios de toda gestión que pretende o aspira circular bajo un rotulo tan tajante como este.

Como representar Latinoamérica en una semana?
Como representar una independencia?
Como representarnos desde/hacia/con este lugar?

Y estas preguntas pasan a ubicarse en el centro de la cuestión, en el centro de la política misma de representación que supone el aquí y ahora.

Hablamos, por tanto, de un proyecto difícilmente reducible a los códigos habituales del sistema expositivo de arte. Un experimento, que reclama espacios físicos, donde poder habitarse como laboratorio.

Como se hará?

Se abre el proceso con esta convocatoria .

Partiendo desde un presupuesto cero y bajo una lógica asamblearia se celebraran
reuniones con quienes acudan a las convocatorias, manteniendo un registro ,quizás sonoro, quizás audiovisual, o tal vez solo a manera de actas, dependiendo también de las decisiones tomadas en las reuniones.

Por decisión de los implicados se decidirá de qué forma se debe asumir el rol de representar y ser representados en esta semana.

En paralelo se seguirá discutiendo con el resto de colectivos de otros lugares de Latinoamérica acerca de los intercambios y circulación de trabajos artísticos y sus correspondientes exposiciones.

Todo lo concerniente al proceso será decidido en una lógica asamblearia, de allí el carácter de política experimental . Podríamos, por tanto, los interesados en este proceso, llegar ser identificados en el centro constante de una voluntad cuestionadora
…..seremos llamados grupo?, agrupación efímera?,red?, nodo?,agentes de una causa siempre por definir?

Lo más parecido a un resultado en términos formales, será aquello que finalmente durante esa segunda semana de Diciembre, será representación pública hacia el resto de la sociedad civil .

2005-11-01T10:45:00.000-08:00

2005-10-30T02:31:00.000-08:00

Que es La Semana Latinoamericana del arte Independiente (SELAI)?

2005-10-24T09:36:00.000-07:00

*Una observacion desde Colombia

ARTE Y RESISTENCIA

INTRODUCCIÓN

“Es entonces cuando el arte de resistir a las palabras se vuelve útil, el arte de no decir más que lo que se quiere decir. Enseñar el arte de fundar la propia retórica es una obra de interés público” Francis Ponge

En Colombia la violencia es generalizada. Está en el hogar, en la escuela, en nuestras relaciones e incluso en la forma como nos aproximamos a nuestro entorno. Relaciones de dominio, explotación, de abandono e irresponsabilidad. Cada día esta violencia se nutre con individualismo y segregación propios del sobrevivir en un medio que nos motiva a agredir o desconfiar del otro alejándonos de nuestras tradiciones, de nuestra identidad y memoria.

Al hablar de violencia, encontramos factores de todo orden, que tienen raíz en problemas y decisiones globales. Ante estas problemáticas se han destacado experiencias de resistencia civil enmarcadas en un contexto de derechos económicos, sociales y culturales. Estas experiencias se han caracterizado por tener una base social y una composición civil, plural y organizada, por exigir participación política y autónoma, y respeto a los derechos humanos y al Derecho Internacional Humanitario.

El arte no debe ser apático a la situación de nuestro país y debe ofrecer una alternativa de resistencia; alternativa que no sólo le contenga a sí mismo como medio de comunicación y expresión que permita propiciar la construcción de redes de comunicación, intercambio y apoyo que fortalezcan las experiencias de resistencia civil, sino que le conduzca hacia la posibilidad de brindar reparación moral y sicológica a aquellos que ya han enfrentado el flagelo de la violencia y deben restablecerse, organizarse y arremeter nuevamente contra la injusticia y el exterminio.

Buscar ser una opción para todos aquellos que buscan modelos para la producción del saber y la distribución del poder, promoviendo el derrumbe de las "verdades" del pasado, el cuestionamiento de los modelos impuestos por los medios de masas, así como una nueva puesta en relación entre disciplinas y esferas que se querían separadas, porque el poder segrega y reduce los espacios de intercambio cultural y político.

Esta facultad de resistencia debe ver en forma amplia el panorama en que se debate la sociedad actual, no quedarse en individualismos, sino contribuir a colocar en sintonía los sectores inconformes de nuestro país y de este modo ayudar al cambio social.

El capitalismo ha extendido sus tentáculos por todo el planeta y es claro que la miseria y las dinámicas del estado de guerra al que someten a sus colonias generan frustración en los individuos, acunan resentimientos y alimentan las cadenas de violencia, desarticulando al individuo de la sociedad que necesita de su aporte para construirse, y es obvio que todos estamos sometidos al totalitarismo del mercado, y por lo tanto todos debemos luchar contra él.

El arte no puede solucionar las implicaciones de las políticas capitalistas, pero vuelve a tener sentido el artista como factor de resiliencia, como trabajador social, como catalizador que activa las relaciones sociales, que estimula la renovación urbanística, que se dedica a la terapia creativa, a abrir un Área de Experiencia, un espacio de cuestionamiento y de reinterpretación, un lugar de intercambio simbólico entre el artista y la comunidad, donde el individuo pueda reflexionar sobre sus problemáticas, verlas en conjunto y hacerse partícipe en buscar alternativas de solución o resistencia no sólo para sí mismo sino para su comunidad.

Siendo esto posible gracias a que la frustración es un sentir de doble filo, a su vez que genera desencantos, agresión y odio, también fantasías y sueños que pueden y deben ser canalizados hacia un desarrollo del ciudadano como protagonista, como individuo político. Es aquí el artista, un creador de propuestas que ayudan a construir ciudadanos críticos, propositivos, abiertos a nuevos diálogos políticos.

ANTECEDENTES HISTÓRICOS

“Ni la pintura anecdótica ni la pintura por la pintura son completas para dirigirse a las masas. Tal vez con la fusión de las dos se pueda alcanzar ese fin”. Cándido Portinari

Dentro del proyecto moderno, el arte y las vanguardias surgidas en búsqueda de libertad y autonomía optaron por diversas posiciones ideológicas. Algunas intentaron combinar su autonomía con los movimientos modernos en otras esferas, otras rechazaron el desarrollo industrial y urbano por su deshumanizante carácter y hubo quienes disfrutaron de la autonomía del arte y se entusiasmaron con la libertad individual y experimental.

Se pensó que era posible profundizar la autonomía del arte y a la vez reinscribirlo en la vida, generalizar las experiencias cultas y convertirlas en hechos colectivos. “El surrealismo se dispersó y diluyó en el vértigo de luchas internas y las excomuniones. La Bauhaus fue reprimida por el nazismo. El constructivismo logró influir en la modernización y socialización promovidas en la primera década revolucionaria soviética, pero finalmente cayó ante el retraso tecnológico de la Unión Soviética de esa época, respecto del cual las hipótesis del constructivismo resultaban desfasadas e inutilizables.

El arte se nutre de toda experiencia y para los años posteriores cargados de grandes transformaciones y cambios sociales, aunados al derrumbe en las condiciones sociales que prometía el proyecto moderno, tenía nuevos caminos para explorar. Surgen otras tendencias como respuesta a ese cambio, las cuales, aun en contra de sus principios, fueron consumidas por el capitalismo salvaje, su productividad y consumismo. Entre estas propuestas encontramos unas que marcaron un cambio fundamental en la representación y presentación artística: los ritos de egreso (happenigs, performance, enviroments…)

Unos de los exponentes de estos ritos es J. Beuys, con su “plástica social”. En la década del 60 y sus años posteriores, Joseph Beuys transforma el medio artístico, planteando su proyecto social artístico buscando curar las heridas existenciales del ser humano, preocupado por la libertad, la democracia y el desarrollo pleno de la sociedad, llevando paralelo a su obra plástica, un trabajo consecuente con su pensar, siendo educador en la Academia de Dusseldorf y fundador del Partido Verde en Alemania.

Beuys consideraba consolidar un proyecto artístico, donde se conciba un concepto de lo plástico “que se inicia en el hablar y el pensar, que aprende en el aprender a formar conceptos”. Un espacio donde “todo ser humano sea un artista, cuya prioridad es la transformación del cuerpo social, en el que todo hombre no sólo puede participar, sino que tiene que participar” “entendiendo su capacidad creadora, verdaderamente revolucionaria, un concepto ampliado del arte, donde no sólo se capte material físico sino que se pueda captar material espiritual”.

Beuys creía que la enfermedad del hombre contemporáneo venía de la alienación que lo convertía en fuerza productiva para el capital y que lo desligaba de su conexión con la naturaleza. Su concepto de "escultura social" explicitaba la idea de que la escultura no necesitaba producir objetos, sino realizar acciones o comunicar pensamientos que moldearan la conciencia de la gente. Ese cambio en la mente de los individuos era la escultura social.

Este concepto de ritos de egreso se enfrentó al consumo y fue sucumbiendo ante este mismo consumo contra el cual peleaba. Estos ritos de egreso, al haber sido aceptados en el mercado y los museos, someten el cambio a un encuadre y limitan el arte a un escenario simbólico donde se cumplen las transgresiones sin perturbar el orden de la sociedad y el progreso del arte fue empezado a valorarse en relación con su tendencia a transformarse en algún nuevo tipo de anti-arte, sin dejar de lado que esto representaba un mayor valor adquisitivo.

Desde entonces, el arte ha ido alejándose de su entorno y ensimismándose de manera tal que ha perdido su mito - origen de comunicación, expresión y creatividad, donde la trasgresión desenfrenada y continua suplantó su potencial transformador. Al cambiar por cambiar, el mito se desenfocó, haciendo que el objeto se desvincule y pierda identificación y responsabilidad con el entorno, porque se desplaza la intención a favor de imágenes y símbolos más vendibles, que a fuerza de repetirse van perdiendo la capacidad de referencia original para constituirse en sujeto aunque estén vaciados de significados. Este desplazamiento al hacerse determinante y masificado conduce a un onanismo artístico fetichista e inconsecuente.

La falta de compromiso del artista con lo social se fue transformando en parte de una visión y vivencia estética. El claro compromiso del artista con su entorno se volvió parte de una mitología artística y blanco de críticas en cientos de debates, donde se defendía una autonomía artística en el escudo del distanciamiento social, que poco a poco ha ido cubriendo las academias y sus estudiantes.

Algunos apelan a los rituales de egreso realizados en nuestros últimos tiempos como formas de comunión del arte con la vida. ¿Pero de cuál vida? ¿O de la vida de quién nos hablan? ¿De las de nuestros campesinos, desplazados, indigentes, desaparecidos, recluidos, etc.? No lo creo. La mayoría de estos ritos carecen de relatos totalizadores que organicen la historia. La sucesión de cuerpos, acciones, gestos, crea una ritualidad distinta a la de cualquier comunidad antigua o sociedad moderna. Este tipo de ceremonial no representa un mito que integre una colectividad, ni la narración autónoma de la historia del arte. No representa nada, salvo el "narcisismo orgánico de cada participante, donde se excluye al espectador que no domine el código de comunicación y cuya disposición no sea la de hacer de su participación en el arte una experiencia igualmente innovadora”[1].

El arte se ha ido creando un espacio exclusivo, acorde con lo establecido y complaciente con lo permitido, con la institución que aísla en su mayoría de los casos al artista del público. Este espacio se fue incorporando a los museos, para luego expandir su concepto a los demás centros culturales, y de aquel arte convulsivo, trasgresor, vanguardista quedó "su digestión razonada en los catálogos y en la enseñanza oficial del arte, que hicieron de las rupturas una convención"[2], un espacio del arte donde se depende de la necesidad de reformular una y otra vez los signos de distinción que el consumo desgasta, a costa de la manipulación de la realidad de un pueblo dentro de aquello que falsamente se categoriza como arte social o para otros escenarios artísticos por medio de la ignorancia.

Los responsables culturales han intentado producir un arte social de Estado, en particular en el marco de programas de arte público donde se invita al artista a "estetizar" la calle, la pobreza, los espacios de crisis de la urbanidad contemporánea, el vínculo social defectuoso de los suburbios, en donde se intenta enmascarar la verdadera creación artística y animación cultural con fines distractores de las necesidades de atención y participación del sector.

Es claro que los regímenes dominan todos los sectores y por consiguiente el artístico, ya que éstos no desconocen el potencial trasgresor y revolucionario de esta herramienta. El Estado siempre busca absorber todo aquello que le genere resistencia, se debe pues evitar que éste devore las formas del arte social, que pasan por ser las más reacias a priori al orden establecido, y transformarlas en objeto de espectáculo.

ARTE Y RESISTENCIA CIVIL

“Si digo que tal o cual cosa no me gusta estoy protestando,

Si me preocupo además porque eso que no me gusta no vuelva a ocurrir, estoy resistiendo.

Protesto cuando digo que no sigo colaborando.

Resisto cuando me ocupo de que tampoco los demás colaboren” Anónimo

Los artistas que han intentado acortar las distancias entre la obra y el público, para hacer del arte no un becerro de oro sino un instrumento útil para la vida, son en muchos casos calificados como "de segundo orden"[3].

Existen conceptos como arte micropolítico, arte contextual, entre muchos otros incluido el que nosotros denominamos Área de Experiencia, que expresan formas de resistencia a diversas cuestiones sociales, donde incluso encontramos artistas que son reconocidos como activistas en organizaciones ecológicas, partidos políticos de izquierda y en algunos casos relacionados con el activismo sindical[4].

Pero cada uno de estos conceptos cuenta con matices propios, ya sea en su formas propias de aproximación al individuo, en los grados de participación de éste, e incluso en su presentación y representación social, que muchas veces varía a nivel de cada uno de ellos dependiendo del lugar donde se desarrolle la propuesta, lo cual permite que mientras encontramos un concepto de arte micropolítico, o arte contextual en determinado lugar, por ejemplo España, vemos que éste tiene divergencia en cuanto a la presentación con una exposición en Francia del mismo corte, lo cual entra a debatir en una cuestión de gustos e incluso de interpretación.

Paúl Ardennese podría definir el arte micropolítico como “el desarrollo de formas de arte que desafían la autonomía e inician un proceso de trabajo en ‘situación’, de participación directa con el ‘espectador’ o de integración por parte del artista de la esfera de la realidad inmediata. Todo ello con el siguiente trasfondo: la cuestión de la dimensión política del arte, una cuestión de crucial actualidad” [5].

Algunos concordarían en todo con Ardenne, otros concordaríamos más con el trasfondo y otros con todo pero no con la presentación. Así que para esto hemos acudido a un concepto tomado a partir de experiencias, textos, discusiones, entrevistas y conferencias desarrolladas a nivel latinoamericano y europeo, tanto a artistas plásticos como a historiadores, teóricos y curadores, en especial por el artista latinoamericano Cándido Portinari, en su conferencia ante la Escuela de Artes Plásticas de Buenos Aires: el arte social.

palabras del propio Portinari: “El pintor social cree ser el intérprete del pueblo, el mensajero de sus sentimientos. Es aquél que desea la paz, la justicia y la libertad. Es aquél que cree que los hombres pueden participar de los placeres del universo. Oír el canto de los pájaros. Ver las aguas de los ríos que corren fecundando la tierra. Ver el cielo estrellado y respirar el aire de las mañanas sin lluvias. Sin ningún otro pensamiento sino el de fraternidad y paz. Hombres viviendo en un clima de justicia. Donde no haya niños hambrientos. Donde no haya hombres sin derecho. Donde no haya madres llorando y viejos muriendo al desabrigo”.

Dentro del arte, el artista incluye los fragmentos sociales y es eco sensible de éstos, ya que se nutre del contacto con el mundo, y su visión estética de las cosas le hace hacer asociaciones indistintas.

El arte social puede convertirse en una forma de resistencia, donde se trata de afrontar el mundo en lo cotidiano, en lo concreto, en aquello que no conduzca a una visión individualista del entorno siendo ajenos a sus problemáticas. Dice Portinari: “la pintura social es la que pretende dirigirse a las masas y los pintores de esa categoría deben poseer sensibilidad artística y colectiva que se desenvuelta en contacto con las masas, auscultando sus anhelos. Un pintor no es pintor social simplemente porque tiene voluntad de serlo, y sí, por razones de sensibilidad y el vivir y sufrir los anhelos del pueblo”. Hablamos entonces ya no de un arte alimentado por la puesta en escena de anécdotas y sentimientos intimistas, sino por el material concreto de la vida presente, un presente material y reificante, cuestionador, ramificado por la complejidad de la realidad.

Esta posición frente al arte no reduce la capacidad creativa a la producción de obra, la vincula con la esencia de toda experiencia cultural, no bloqueada por factores de orden institucional y estatal, ya que ese desarrollo de la industria cultural produce una desclasificación del "arte social". Esta relegación de los artistas tiene como consecuencia la generación de un arte "micropolítico": un trabajo artístico en la periferia que valoriza la dimensión local de la expresión en lugar de la universal.

El arte social está relacionado con el compromiso político e incluso el entretenimiento social enfocado hacia la resistencia, la resiliencia y el desarrollo cultural de una comunidad en particular. Su objetivo es reactivar lo real más que crear un nuevo objeto artístico. Esta es la razón por la que se recurre no a un espectador pasivo contemplador de la obra, sino a un espectador-ciudadano, comprometido con el procedimiento del artista, "gestor" del acontecimiento que debe producirse.

En América Latina la pintura social es debatida, no sólo por el inconformismo del artista ante las incursiones estatales, el choque de sectores sociales estables con la pobreza, sino por su posición de colonia que le induce a aceptar y concebir como propias expresiones extranjeras. Pero éste es un empeño que pretende orillar el impacto que las manifestaciones, las revueltas y el resquebrajamiento del pensamiento neoliberal y sus políticas hacen en el individuo.

La diferencia social es más visible en países como el nuestro, pero el artista no siempre tiene la sensibilidad colectiva más latente. Esto parte de las instituciones educativas que no se encargan de promover esa sensibilidad en el sujeto desde su formación básica. Pero esta tarea puede ser asumida por el artista. Portinari considera que “la pintura mural es la más adecuada para el arte social porque el muro generalmente pertenece a la colectividad y al mismo tiempo cuenta una historia, interesando a un mayor número de personas. Pueden obtenerse dos resultados por ese medio; la educación plástica y la educación colectiva. Pero ante todo es necesario interesar al público. Ahora, como en general él no tiene educación plástica, al principio solo se interesará si el cuadro le dice alguna cosa extra-artística, para, a poco llegar a entrar en el terreno plástico”. “Creo que por ese medio puede llegarse a la educación puramente estética, pues el observador va directamente al cuadro sin necesidad de explicaciones”.

Lo que se busca resaltar con esto es que se debe buscar una diferencia con el museo o exposiciones institucionalizadas, donde la aproximación al cuadro se da a fuerza de fórmulas y razones abstractas que no llevan a ningún resultado o respuesta del público. Es necesario dar una oportunidad al público para que se aproxime a la obra, ofreciéndole dentro de ésta misma puntos de conexión con su realidad, sin importar la expresión. Como también diría Portinari: “Plásticamente hay libertad para las expresiones más diversas. Cuando alguien desea representar un niño llorando; hay mil maneras de hacerlo, así como cuando se dice algo, ese algo puede ser dicho en voz grave o aguda, alta o baja, no importa. Lo que importa es lo que fue dicho”.

El arte hace descripciones del mundo, es un modo/medio de expresión cuya coherencia reflexiva y descriptiva le es propia, su estructuración implica un acto sentipensante basado en relaciones funcionales, diferentes de las del pensamiento filosófico o científico, pero no por ello menos rigurosas y válidas existencialmente. Estas estructuraciones se tornan a simple vista azarosas e inexplicables a la hora de constituir saber, pero estudiadas con detenimiento son acertadas, veraces y consecuentes con la realidad y quizás más aplicables a las problemáticas esenciales del individuo.

El empleo del término de "resistencia", en correspondencia con el término "resiliencia", que evoca a las claras esa psicología de lo asumible y superable, se da entendiendo siempre que ambos pertenecen a dos campos que no son diferentes de la realidad local. La "resistencia", desde el punto de vista artístico, sería el privilegio otorgado al contacto inmediato, a la disposición que debe tocar al "otro": el espectador se enfrenta a la obra, incluso y sobre todo, de manera inesperada, y este encuentro debe abrirle las puertas a la renovación y la transformación. El arte debe suscitar un mecanismo de encuentro, fusión, correlación con otros, y eso a través de trabajo directo con la población, reforzando sus niveles de resiliencia o por medio de la reflexión suscitada por una obra puesta en escena.

El arte se presenta como medio, pero en el momento que toma una posición en el entorno se hace fin, pero un fin que va más allá de la presentación, que es conector de realidades. Como diría Rosa Martínez: “Son a menudo parte de un ritual, de una puesta en escena temporal en la que el artista actúa como oficiante de una serie de acciones dirigidas a transformar la conciencia de los espectadores. El artista quiere provocar una catarsis y son las actitudes las que se convierten en formas”[6], donde las formas de relación y aproximación a las que conduce al individuo con su entorno se dan a manera de reflexiones sometibles a argumentación y discusión, cuyo carácter proyectivo hace del arte más que una respuesta una continua pregunta, donde todo está por descubrir y transformar.

Se trata de hacer partícipes a las formas de creación colectiva basadas en el activismo y la transformación social. Un desarrollo multidisciplinario y multicultural donde el arte desempeña el papel de vínculo entre creadores múltiples y usuarios que pueden unirse a la creación de una obra o contribuir a acelerar el intercambio modificándolo a su manera. Lo "participativo" o lo "relacional" contemporáneo se encuentra en la resistencia más que en ninguna parte, en esta nueva cultura donde la forma es menos producida que reproducida, menos poseída que compartida, menos fija que en permanente devenir. En nombre de un amor apasionado y automático por la transformación.

QUÉ PROPONEMOS

Para la escuela

En la escuela encontramos problemas de aprendizaje, de deserción, agresión, que no sólo son parte de una problemática en cuanto al plantel sino también entran en juego los otros factores educadores. Es una descarga de cadenas de violencia provenientes de los grupos con los que el niño se relaciona. Si las formas que aprenden y practican los niños para relacionarse son la fuerza, el grito, la imposición sin razones, éstas serán también las formas de socialización para ellos, la estructura dentro de la cual aprenderán a moverse y a reconocer a los demás.

Estamos frente a un sistema educativo donde la situación económica influye tanto en el educando como en el educador que imparte esta educación y en el grado de compromiso con el cual lo hace, en la manera como se siente remunerado por este esfuerzo e incluso su mayor reflejo se da en la adecuación de las instalaciones educativas de carácter público.

En cuanto al arte, es claro que la aparente acción de nuestras escuelas, colegios, universidades, sociedades artísticas, ministerios, museos, se ha visto en dificultades a la hora de lograr que valores del arte sean interiorizados por la sociedad en su conjunto. El arte se toma como un lujo al cual para acceder se necesita de cierto saber adquirido e incluso de cierto poder económico. El arte es un objeto de goce mas no de manipulación personal; consideramos que una búsqueda de sentido del arte ligada a las necesidades del país, le haría cobrar mayor significado y visibilidad.

Es claro que la educación para la convivencia y el afecto no es un asunto sencillo y no se reduce a un pacto de no-agresión que muchas veces es pura indiferencia. Se trata de crecer juntos, de cultivar valores de lealtad, confianza, seguridad e independencia. A través de los vínculos de responsabilidad que genera el afecto es como se afianzan los valores éticos.

El arte debe ser una herramienta de apoyo ante un sistema educativo nutrido en el desinterés en la impartición y la calidad de la educación pública y gratuita por parte del Estado, la falta de oportunidades culturales, la manipulación de los medios masivos de comunicación obedientes al poder político, lo cual fija una única posición válida, donde lo diferente es sometido a una sanción social y moral, donde los medios de gran difusión imparten ideas y soluciones ligadas a los intereses de ciertas empresas insaciables en su apetito comercial, e inculca una valorización del individuo en la competencia desleal y no en el trabajo propio.

Y a partir de esta experiencia plantear una propuesta propia donde el arte plantee soluciones a un sistema educativo incapaz de proponer y responder a las problemáticas del país.

Para la plástica

“Todo artista que meditara sobre los acontecimientos que perturban el mundo, llegará a la conclusión de que haciendo su cuadro más ‘legible’, su arte, en vez de perder, ganará; y ganará mucho, porque recibirá el estímulo del pueblo”. Candido Portinari

Dentro del hacer artístico, hay quienes creen tener o tienen sensibilidad artística, pero esa sensibilidad es expresada en emociones de pequeño recorrido, que sólo algunos podrían asumir como propias y por lo tanto sentirlas como vivas, pero esa sensibilidad artística debe ser sumada a una sensibilidad colectiva que permita dirigirnos a las personas y dirigirlas y capacitarlas.

El artista no debe olvidar ninguna de estas sensibilidades si desea hacer arte social sin dejar de amar su oficio y la naturaleza bella que éste encierra. No debe olvidar que está en este mundo lleno de injusticias, encerrarse en un sufrimiento que no conduce a nada y no trae beneficio a su entorno, debe salir de ese caparazón para formar filas al lado del pueblo, auscultando los anhelos en que se debate. [7]

Tanto academias, como toda la elite o el círculo artístico, enfrentan al público y al artista al entendimiento de cultura y de arte como la producción y consumo de objetos e ideas creadas y validadas por un grupo de especialistas, donde se relega aquello que no se somete a su formación, información e influencia, aquello que se desliga no sólo de lo contemplativo, sino de la cultura de la ruptura o "la tradición de la ruptura", lo cual dificulta nuestra tarea a la hora de intentar entablar diálogo con otros artistas.

Pero esto no puede ser un impedimento para continuar. Por el contrario, debe infundir una voz de aliento y alerta para mejorar en nuestro quehacer y la visión que otros tienen del arte social. Por ello es primordial que la aproximación del sujeto a la visión y a la estructura del pensamiento artístico sea prioritaria, ya que éste le permitirá dar soluciones a sus conflictos y conocer a su vez otras miradas a este mismo conflicto y empezar a reconciliarse con su entorno, así como también empezar a cuestionarlo y problematizarlo.

El arte debe ser un área de experiencia donde tenga lugar el intercambio de identidades, con otros sujetos y otras situaciones diferentes a las que se ha visto enfrentado y le han mostrado un espacio de hábitat hostil. Un espacio que enriquezca y construya al sujeto y le permita una mejor relación a futuro con su entorno, con su patria y sus compañeros sin resentimientos ni traumas que le conduzcan a la apatía o a la agresión. Para que estos encuentros entre arte y público sean genuinos, no es posible que se acomoden a reglas y códigos preestablecidos. De ser así, se reducen a simulacros de comunicación humana o a actuaciones falsas.

Es además un espacio donde se busca que el sujeto conozca el origen de todas las prácticas que genera el actual régimen insolidario y violento, enfocando su reflexión sobre la vida y los intereses de la comunidad.

El oficio del artista en esta área de experiencia no puede ser reducido al dominio de principios o técnicas que se aplican para la creación de un objeto; tampoco a un ejercicio aleatorio que se inventa en cada momento, o a una estrategia para lograr resultados: exige que se construya sobre el saber que procede de la experiencia sometida a discusión y critica.

Es comenzar a plantear el arte como rito, lo cual permite una inserción del individuo en un colectivo donde comprende su condición, favoreciendo un modo de pensar abierto y libre donde el desarrollo de la actitud para contextualizar sitúa todo conocimiento, información o acontecimiento dentro de su relación respecto a un entorno.

Con el arte social no sólo se debe situar en un contexto un acontecimiento o problemática, sino además incitar a ver cómo se modifica este contexto o se aclara, haciendo apto al individuo para responder a los desafíos de la vida, ofreciendo elementos de nuestra historia, de nuestro origen y ubicación actual que contribuyen a la formación de una conciencia humanística y ética de pertenencia no sólo a una especie, también a un país, a una comunidad, a un lugar y momento. Presentando una mirada critica y reflexiva sobre la relación del arte con la experiencia vivencial.

Cuando hablamos de resistencia y resiliencia dentro de un área de experiencia artística, nos referimos a la utilización de lo existente para reconstruir nuestro entorno y a nosotros mismos, nuestra individualidad y colectividad, lo afectivo, lo libero y creador. En cada uno de estos momentos de reflexión-descripción, estamos usando los medios del arte y sus técnicas con un fin ritual de reencuentro, inserción, reafirmaron y transgresión (Pierre Bourdeau) de y en el panorama social. Es empezar a pensar el arte dentro de su momento creativo y desde nuestra experiencia artística y social.

Para la comunidad

A través del desarrollo y la crítica del arte social buscamos promover en todas las esferas sociales:

La investigación

El desarrollo de la imaginación, ya que permite al individuo tener la capacidad de transgredir la lógica del sentido común y de atreverse a pensar en modos novedosos de resolver problemas, puede con la imaginación adelantarse a un fenómeno, visualizar un proceso y pronosticar un resultado.

Percibir, fijar la atención en una sensación, en un estímulo y hacerlo consciente. Es aprender a estar en guardia, dispuesto a captar la primera reacción, la diferencia en mi entorno que tiene que ver con mis intereses y mis expectativas.

La búsqueda de una percepción y observación consciente y crítica, nos hace acudir a otros recursos del conocimiento, a otras maneras de mirar u observar que nos permitan trascender las sensaciones para adentrarnos en el mundo de las ideas, de la reflexión y la construcción de relaciones.

Simbolizar, crear símbolos, leer y utilizar los ya establecidos e interpretar o construir significaciones a partir de ellos. En el arte el símbolo es nuestra herramienta de comunicación, entre lo individual y lo colectivo.

Memoria, la capacidad de retener información para poder hacer uso de ella y poderla relacionar y trasmitir. La memoria individual es la base de una memoria colectiva, que posibilita la construcción de una tradición oral y una cultura, permitiendo que el conocimiento trascienda y se constituya una historia. Y así mismo posibilita la capacidad de transformarla para evitar una repetición de los errores cometidos a lo largo de ésta.

La posibilidad y actitud permanente de preguntar establece la duda frente a lo que aparentemente es obvio o natural. Cuando preguntamos estamos retomando un problema para mirarlo de otra manera, encontrarle otro enfoque y descubrir otras respuestas.

Experimentar. Una de las características del ser humano es que tiene la capacidad de prever el futuro, de proyectarse hacia adelante y visualizar nuevas situaciones. El experimento es una manera de trabajar con esa proyección, el experimentar es más que un recurso para entretener o motivar, de lo que se trata es de hacer participativo y activo el proceso de construcción del conocimiento y que cada una de las personas reafirme su confianza en sus habilidades y capacidades para construir saberes.

La reflexión nos da herramientas para medir y asumir las consecuencias de nuestros actos y para evaluar las consecuencias de los actos de los demás, para actuar y para juzgar con responsabilidad. Es pensar antes de hacer las cosas para que se tenga conciencia de la acción y para que la acción misma se convierta en espacio de elección libre.

Convertir el arte en un espacio de debate sobre la región y la ciudad que soñamos, en ejercicio del derecho a decidir nuestro destino de acuerdo con nuestras expectativas, emociones e intereses.

Desde la perspectiva del área de experiencia, se busca una aproximación al conocimiento buscando afrontar tres factores básicos presentes en la vida cotidiana: las necesidades de subsistencia, la comunicación y la crítica.

[1] García Canclini, “Culturas híbridas”

[2] Pierre Bourdieu

[3] Rosa Martínez

[4] . En palabras de Paúl Ardennese “Se producen también entonces otros combates, acordes con el espíritu de la época, con una inclinación muy señalada a la izquierda o a la ultraizquierda: feminismo, tercermundismo, acciones contra la guerra de Vietnam... Pienso a Gustav Metzger, COUM Transmissions, John Latham, Suzanne Lacy, John Dugger, Adrian Piper, entre otros tantos artistas activistas”.

[5] Arte contemporáneo y política: Una relación tensa y ambivalente.
Entrevista a Paúl Ardenne, por André-Louis Paré

[6]Rosa Martínez. Artículo publicado en la revista ARCHIPIÉLAGO, número 41 "De la muerte del arte y otras artes". Madrid, 2000

[7] Candido Portinari

Que es La Semana Latinoamericana del arte Independiente (SELAI)?

2005-10-23T09:50:00.000-07:00

*Desde Espana

Geopoeticas de lo fronteriso

“ La importancia de un arte politico no deja de considerar la importancia de no dejar de lado los intersticios en cualquier analisis y gesto.O la importancia del ejercicio que tensiona la dualidad sobre la que se yergue occidente.
O la importancia de las imagenes de mancha, producidas por los millones de cuerpos que revuelben las ultimas resistencias de toda interpretación lineal de la historia,de la técnica y las fronteras.
O la simple y sana importancia de lanzar esta piedra en llamas contra el imperio de lo obvio”

Ultimamente, parecemos asistir a un avance de ciertas politicas de representacion,que traen consigo palabras como

clausura/apertura
prohibicion/permiso
civismo/incivismo
cierre de fronteras/libertad de circulacion
terrorismo/seguridad

en una dinamica que produce en los receptores ese dispositivo tan bien descrito por George Orwell en 1984 : "el doble pensar".

Ubicadas nuestras vidas asi, en medio de un paisaje herido de violencias y contradicciones, en el centro de una ciudad modelo como es Barcelona, en un momento historico de particular complejidad y dificultad, permanecemos aun dispuestos a seguir habitando nuestro afan de imaginar y construir alternativas criticas y coherentes con una otra globalizacion ,tan sonada y descrita por nuestros poetas de siempre y por todos aquellos que desde la eternidad continuan atravesando puertas ,como las que quizas cada dia han de convivir con nosotros.

Y hemos siempre de cruzar una puerta, saltar una valla, derribar un muro, para llegar a donde estemos, y este cruce, esta distancia constitutiva de nuestra biologia es precisamente lo que nos reune,tanto como ayer, hoy y aqui, para accionar desde distintas posiciones en ese proyecto comun que no siempre queda pendiente,
este-proyecto-comun- donde- cuestionamos-los- topicos-con-los-que-se-nos-representa, discutimos el estar dentro de estas representaciones, el derecho a participar de veras en las decisiones que nos corresponden, la gestion de nuestra autonomia y la practica de nuestra libertad.Compartiendo las herramientas criticas, los dispositivos y las narraciones que han utilisado y siguen utilisando nuestros companeros de otros lugares para volver a apoderarse de sus vidas en este ejercicio constante de autonomia y lucha.

Es asi como una crítica a la alineación en el trabajo de la era global, no puede dejar de ser una crítica a los sistemas de control de las libertades individuales, de control de flujos (centros de internamiento, cárceles, centros de detención de menores y demases), de control y privatización constante del espacio público, en síntesis de la vida.

Afirmaciones como “nunca antes se trabajo tanto” o “la vida puesta a trabajar”, se muestran de absoluta coherencia en un contexto de difícil circulación, de difícil dialogo, de difícil diferencia, un contexto donde la alienación y la soledad, la falta de compromiso y la constante sensación de una vida en manos de otros, hacen reino, imperio.

Destacamos por ello con especial énfasis los discursos internacionalistas, las practicas de descolonización y los proyectos de cooperación tanto local como internacional surgidos y sustentados desde posiciones de base.

En sintesis, abrimos con toda intensidad un llamado al arte social,comprometido en lo latinoamericano y lo global del aqui y ahora, a encontrarnos y compartir movimiento,redes,energia en ascenso,poesia.

M.R.

Que es La Semana Latinoamericana del arte Independiente (SELAI)?

2005-10-20T09:44:00.000-07:00

*Desde Argentina

"Si supiera lo que es el arte, no se lo diría a nadie". Pablo
Picasso

Con la humildad y la modestia de no ser absolutamente nadie, nosotros,
afirmamos taxativamente que estamos en contra de esta posición.

¿Por qué?

Porque más allá de lo que pudo haber sido y por lo que es Picasso -
en el sentido positivo, como creador e innovador u hombre de rupturas
estéticas, sociales y políticas; en el negativo, por ser la imagen
entre los intelectuales de la capitulación al imperialismo por parte
del stalinismo en esa supuesta disyuntiva de "democracia o
fascismo" con su tan famosa "paloma de la paz", la cual se fijó
en posguerra como símbolo de la ONU - esta posición lo que refleja
es el individualismo y egoísmo propios de los artistas e intelectuales
contemporáneos.

Artistas que, poco a poco, y por distintos motivos cada uno, no sólo
se han alejado de la lucha de clases sino además de su rol como
elementos de ruptura con todos los elementos de reproducción cultural,
sino además de su papel de inquebrantables guerreros por la libertad a
secas... La tan bella libertad.

El lugar en la actualidad que ocupa la cultura y la educación, lo
mismo que el arte, es casi de último orden para los gobiernos de
turno, para darse cuenta no hay más que fijarse los porcentajes del
PBI que se le dedican y cuanto es lo que sale para abonar la deuda
externa.

El panorama parece un tanto desolador y solitario para aquellos que
desbordamos de rebeldías. Pero quienes han quedado en la franja de los
que hacen "arte por el arte" corren con dos riesgos: el primero es
que sólo su ombligo puede disfrutar de estas maravillas, y el segundo
es que si avanza la recolonización y países como Argentina, entre
otros, van transformándose cada vez más en una colonia del pillaje
imperialista ni siquiera esos ombligos van a tener la posibilidad de
disfrutarlo.

¿Qué tenemos que ver con el arte y con la cultura? Para quienes no
nos conozcan, que seguramente serán la gran mayoría, somos
simplemente hombres y mujeres que hacemos arte, y no sabemos si somos
buenos o malos en lo que hacemos, no porque tengamos poco o nada de
autoestima, más bien se debe a que no nos creemos los indicados para
realizar semejante juicio. Creemos que ningún artista se
autosentenciaría, pues el único con derecho legítimo para hacer esto
es nada más y nada menos que el público, los espectadores, los
oyentes, los lectores, aquellos con la capacidad de sensibilizarse ante
lo estéticamente bello.

Pero como si fuera un trozo de costa que se quiebra y se independiza
del resto, el artista, el creador, se ve alejado, se ve aislado de la
masa, del resto, de los que están con los pies sobre la tierra.

Hace mucho -y creo que nadie se tomó el trabajo de llevar la cuenta
desde cuándo- se han ido transformando en "anónimos". ¿Y a qué
nos referimos con esta aparentemente rara categoría? Al hecho de que
hace tiempo -y exceptuemos el género musical- no surgen figuras de
renombre, que superen el espectro de los círculos cerrados de cierta
intelectualidad y se transformen en un murmullo en constante
repetición en las masas populares. Hagamos un intento de falsacionismo
al estilo Popper. Nosotros aquí y ustedes en sus casas: nombre de un
escritor nuevo, contemporáneo, de un poeta, de un dramaturgo, de un
artista plástico. No, todos los que nombraron hace tiempo que ya
están dando vueltas.

Anónimos y sin la posibilidad de que su nombre se haga conocer, no por
falta de aptitudes, sino por este tan eterno ajuste para con todos,
pero en especial para aquellos que expresamos cosas que están más
allá de lo cotidiano.

Cierta sensibilidad que no es propia nos permite imaginar, soñar con
cosas por fuera de la explotación y la opresión de todos los días.

El arte tiene la obligación de romper los esquemas, las estructuras y
de cerrar siempre hacia delante, aunque el arte sin los otros no es
absolutamente nada, la belleza sin el que se deleite con ella no existe
más que como aspiración.

La situación tan candente a escala mundial, la guerra por el dominio
político del mundo; a nivel latinoamericano chocando con el callejón
sin salida del nacionalismo burgués, el populismo, la demagogia y la
entrega cipayesca junto al continuo saqueo, nos pone a nosotros,
creadores, también en una tajante disyuntiva: o nos resignamos a esto
diciendo que nada se puede hacer o con nuestras reivindicaciones nos
sumamos plegándonos a los reclamos por salario, educación, salud y
trabajo genuino.

El espacio o los espacios que poseemos cada se reducen más, se limitan
o directamente desaparecen. Depende de nosotros y de nuestra acción
consciente torcer la realidad. Si coincidimos en lo fundamental,
estaremos en condiciones de coordinar, de unificar fuerzas y de empezar
a transformar el presente para construir un futuro lleno de
posibilidades y sin necesidades, el reino de los hombres libres.

Viva la semana latinoamericana del arte independiente!

Por la libertad del arte; por un arte de liberación.

Arte, sinónimo de Revolución.

DANIEL MANUSOVICH (NEUQUÉN)

Ciudadanania sin fronteras

2005-10-12T08:31:00.000-07:00

Pretendemos desde Barcelona dar curso a la Semana latinoamericana del arte independiente, invitando a todos aquellos artistas, especialmente de Latinoamérica, interesados en la acción crítica, los derechos culturales, en tanto derechos humanos, y las problemáticas que suscita la globalización en lo contemporáneo.

En diferentes países de Latinoamérica se estarán llevando a cabo durante la semana del 12 al 18 de diciembre, actividades culturales empapadas de la imaginacion radical y la necesidad de sonar un mundo distinto Aqui y Ahora.

A todos aquellos interesad@s en exponer sus trabajos y en coordinar acciones para este encuentro,favor contactarse a selaibcn@gmail.com dejando sus datos para contactarnos con uds, y cualquier otra información que consideren útil, o bien por teléfono al 93 212 47 43.

De igual forma extendemos esta convocatoria a todas aquellas personas interesadas en participar en la organización de dicho evento, ya que necesitamos toda la colaboracion posible. La fecha límite para recepción de propuestas es el 26 de noviembre.

12 AL 18 DE DICIEMBRE.
Contacto : selaibcn@gmail.com